Manuel Fior
Che fattori ti hanno spinto a cimentarti nel mondo del fumetto? Genitori che collezionavano fumetti, magari…
No, assolutamente. La mia famiglia di fumetti, e di arte in generale, non ne sapeva proprio niente; del resto, facevano tutt’altro, per cui è un mondo che, fin da quando ero piccolo, ha interessato me in modo esclusivo e personale: era una cosa mia. Come tantissimi bambini, leggevo fumetti, guardavo i cartoni animati… tutt’ora sono un appassionato dei cartoni che davano all’epoca in Tv. L’unica differenza è che mentre i bambini, diventando un po’ più grandi, smettono di disegnare, io ho continuato. Non che pensassi di avere delle doti particolari, ma mi appassionava, mi prendeva, per cui sono passato da fumetti ad altri fumetti, da autori ad altri autori, allargando pian piano sempre di più la mia conoscenza di questo linguaggio.
Hai viaggiato tanto: ci sono delle esperienze particolari che ti hanno segnato? Come hanno influenzato i tuoi lavori? Cosa vuoi comunicare con essi? Per quello che ho letto, ho visto come filo rosso una certa dose di malinconia.
Prima di fare questo mestiere di illustratore ed autore di fumetti ho fatto molti altri lavori che hanno sempre avuto a che fare con il disegno: a partire dal rilevamento grafico a livello archeologico sino ad alcuni progetti architettonici… queste esperienze sono entrate molto nel mio modo di concepire la vignetta. Non solo: esistono luoghi biografici che rientrano poi nei mondi che immagino. Ad esempio, in Cinquemila chilometri al secondo, Piero va a lavorare in Egitto come assistente archeologo, Lucia va a studiare in Norvegia: sono tutti viaggi che ho fatto, posti in cui ho vissuto o lavorato. Cosa confluisce del mio vissuto nella tavola dipende da opera ad opera… la malinconia? Non lo so, penso che a tratti venga fuori questo elemento, sono una persona abbastanza nostalgica: ho cambiato molti posti, per cui è un sentimento che conosco molto bene, sicuramente rientra in diversi miei libri. Tuttavia, ogni graphic novel ha un carattere sentimentale a sé stante, un tema ed una variazione su quel tema, poi, chiaramente, avendo io, come autore, una
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determinata personalità, quello che viene fuori a posteriori è un ritratto fortemente filtrato dalla mia mentalità, dal mio carattere, dalla mia maniera di vedere il mondo.
Qual è il ruolo dell’arte nel fumetto, nelle illustrazioni che fai, e come questa si interseca ad esso?
Beh, diciamo che il concetto di Arte è molto vasto…ciò che più si avvicina alla sensibilità dei miei fumetti è certamente il mondo pittorico: ne sono un appassionato e uso quel che conosco della storia dell’arte, quel che apprezzo, come cassetta degli attrezzi da cui attingere quando mi serve qualcosa, affinché, di volta in volta, io possa comunicare ciò che ho in testa. Ad esempio, è chiaro che ne La Signorina Else ho preso ispirazione dalle fonti iconografiche fornite delle Secessioni Viennesi, soprattutto Gustav Klimt, con alcuni riferimenti anche all’espressionismo di Munch, di modo che il racconto da me illustrato, ambientato in quegli anni, si svolgesse con il suo originale linguaggio, la sua sensibilità.
Per me guardare all’arte è come guardare ad un grande catalogo di soluzioni ogni tanto tecniche, ogni tanto figurative, ogni tanto stilistiche o cromatiche, soluzioni che possono andare bene per quel genere o quell’emozione. In “Cinquemila km al Secondo” ho usato, per esempio, un tipo di segno che si rifà alla corrente dei Fauves francesi; il mio stato d’animo all’epoca corrispondeva a quel modo di operare: l’abbandono di una precisa corrispondenza anatomica a favore di una pennellata energica, di un tratto tagliente ed essenziale, come se le figure fossero scolpite all’accetta; il colore utilizzato per la sua portata emotiva più che per l’esattezza cromatica… Quando disegni tanto, il tuo disegno diventa un prolungamento del tuo modo di essere in quel momento, così, ogni volta, c’è spazio sia per Ingres, che per Picasso, in base a come sono, a cosa voglio dire.
Secondo me, è giusto che nel fumetto si attinga a piene mani alla tradizione figurativa che lo precede, perché ritengo che esso sia effettivamente una forma di arte parallela a quelle più antiche, con la sua dignità e la medesima capacità comunicativa.
Hai degli autori preferiti?
Sì, ne ho tanti… alcuni li riguardo sempre: Lorenzo Mattotti, Winsor McCay, Guido Crepax, Hayao Miyazaki … e potrei dire ancora, Otomo, Tezuka, moltissimo Walt
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Disney ed i suoi disegnatori, i migliori del mondo di quel momento, con i primi lungometraggi, poi Moebius chiaramente.
Ultima domanda: come mai hai scelto come mezzo espressivo l’illustrazione e il fumetto e non, ad esempio, una tela, una tavola?
Eh, perché è tutto un altro mestiere… e perché non è una scelta che ho fatto coscientemente. Non ho mai sentito l’esigenza di pormi dinnanzi ad una tela, mentre, sin dalle elementari, ho sempre cercato di disegnare, di produrre attraverso questi disegni delle storie… e di venderle anche, cercavo di vendere i miei fumetti ai compagnetti di scuola! Questa forma di arte narrativa, un’arte di tipo sequenziale, mi ha attanagliato sin da subito e lì sono rimasto impigliato; e per quanto io ami la pittura, niente mi dà soddisfazione come un fumetto che viene riprodotto in tante copie e passa per tante mani. Sono percorsi molto differenti: mentre un dipinto necessita di molti filtri per arrivare allo spettatore, il fumetto è un prodotto commerciale, che costa anche poco, e che arriva nelle case di tutti; questa immediatezza, questo rapporto diretto con il lettore è una cosa molto bella ed importante per me, in quanto si ha un immediato riscontro di ciò che piace o meno, in un rapporto libero, genuino, sincero con i propri fruitori.
Quindi non è solo propensione personale ad un particolare modus operandi, ma anche un’esigenza comunicativa…
Sicuramente parte come una tensione propria, personale, ma poi diventa anche necessità comunicativa… sì, il fumetto concepito come arte popolare.
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